Образ Мадонни у світовій искусстве

Тип работы:
Реферат
Предмет:
Культура и искусство


Узнать стоимость

Детальная информация о работе

Выдержка из работы

Министерство освіти Республіки Беларусь

Фрунзенский районний відділ образования

Средняя школа № 176

Экзаменационный реферат по Світовий художньої культуре

Тема: «Образ Мадонни у світовій искусстве».

Выполнила учениця 11 «Б» класу Гракун Анастасия

Учитель: Курышев В. А.

МИНСК, 2002

Стор. I. Запровадження … 2 II. Більшість. … 3

1. Образ жінки мистецтво Відродження… 3 а) Леонардо так Вінчі. … 3 б) Рафаель. … 7

2. Образ Мадонни у німецькій і нідерландською живопису Відродження… 12 а) Лукас Кранах Старший.. … … 12 б) Антонис ван Дейк. … 13 в) Робер Кампен … 13 р) Рогир ван дер Вейден. …14

3. Образ Мадонни у сучасній живопису. …17 а) Творчість Олексія Кузьмича. … 17 б) Михайло Савицький … 22 III. Укладання … … 24 IV. Додаток … 25−39

V. Список ілюстрацій …40 VI. Список використовуваної літератури… … 41

«…Посланий був Ангел Гавриїл Божий до міста Галилейский, званий Назарет, до Діві, зарученої чоловіку, ім'ям Йосипу, з дому Давидова, ім'я ж Діві: Марія. «, — у такий спосіб один главі Євангелія від Луки говориться про Богоматері. Це завжди нерозривно пов’язують із чистотою, праведністю і покірливістю. А образ Марії- Мадонни- це образ Матері- доброї, усерозуміючої і всепрощаючої. До неї в усі часи звертали свої молитви віруючі, шукаючи допомогу дітям і жаль. Саме тому збереглося безліч зображень Мадонни на іконах, картинах і фресках. Кожен живописець вкладав у її образ щось своє, відповідно до своїм планам і тонких почуттів. І, звісно, важливого значення мала епоха, у якому творили мастера.

II. Основна часть

1. «Образ жінки мистецтво Возрождения».

Леонардо так Винчи.

Леонардо так Вінчі народився 1452 р. в селищі Анкиано, близько містечка Вінчі, біля підніжжя Альбанских гір, напівдорозі між Флоренцією і Пізою. Величний пейзаж там, де протікало його дитинство: темні уступи гір, бурхлива зелень виноградних насаджень та туманні дали. Далеко забариться — море, якого це випливає з Анкиано. Загублене містечко. Але поруч і простори, і височінь. Леонардо був позашлюбним сином нотаріуса П'єро так Вінчі, яка сама був онуком і правнуком нотаріусів. Батько, очевидно, подбав про його вихованні. Виняткова обдарованість майбутнього великого майстра проявилася дуже рано. За словами Вазарі, він дитинстві настільки досяг успіху в арифметиці, що своїм питанням ставив за скрутне становище викладачів. Одночасно Леонардо займатися музикою, чудово опановував лірі і «божественно співав імпровізації». Проте малювання і ліплення найбільше хвилювали його уяву. Батько відніс його малюнки своєму давньому другу Андреа Верроккйо. Той здивувався і додав, що юний Леонардо повинен повністю присвятити себе живопису. У 1466 р. Леонардо вступив у ролі учня у флорентійську майстерню Верроккйо. Вже ранніх роботах Леонардо виявляються риси, яких був в мистецтві кватроченто. Ось маленька картина — «Мадонна Бенуа», але, як багато вона у собі несе! Марія з младенцем-Иисусом на руках до Леонардо зображувалися багаторазово, й назва пройшла довгий шлях гуманізації: Марія у художників XV в. не сидить на троні, з її голови зникає корона, німби лише вгадуються — богомати і богочоловік втратили більшу частину божественності, перетворилися на людську мати з дитиною. Однак майже завжди зберігалася репрезентативність: Марія показує Божого сина людям, та й сама позує їх. Такі «Мадонни» і в найбільших художників кватроченто, як-от Андреа Мантенья, П'єтро Перуджино, Джованні Белліні. Зовсім чи у Леонардо. Ні батько, ні немовля не розгорнуто до глядача, на нього не дивляться. Вони зайняті своєю справою: маємо жива сцена гри юної матері, простий дівчини, майже дівчинки, з її первістком. Гра повністю захопила обох. Мати весело усміхається, навіть сміється, захоплюючись своїм малюком, У першій радості на цю гру розкривається її безхитрісна душа, її внутрішня свобода, її юна материнська любов. Священний сенс фактично повністю усунутий. Ніколи ще художник настільки не зосереджував увагу самої важкою для зображення боці натури — внутрішній життя, на його душевних рухах. І це — одне з найважливіших нововведень, які принесло в ренесансне мистецтво Високе Відродження. «Завдання художника, — писав Леонардо, — зобразити те, що межує майже з недосяжним: показати внутрішній, духовний світ людини». Ось найважливіше програмне вимогу до якісно нового стану гуманістичного мистецтва, одне з визначальних чорт Високого Возрождения.

«Дама з горностаєм» (рис. 1)

Портрет «Дама з горностаєм», який Леонардо малював з коханки Лодовика Цецими Галлерани, було написано, очевидним, що 1484 року. «Дама з горностаєм» чудово відбиває властивості, якими ця жінка, за свідченням сучасників, мала: вираз її інтелігентного особи проникливе і зосереджений, пальці в неї довгі, і чутливі - такі бувають у музикантів. Задній фон переписаний, можливо, дуже досвідченим міланським художником Аиброджо так Предисан, з яким Леонардо співпрацював, в результаті обличчя різко контрастує з чорним тлом це без будь-якого сфумато чи світлотіні Леонардо. Проте моделировка обличчя і особливо горностая видають авторство: складний поворот голови дами, змієподібна поза звірка були зображені лише Леонардо. Розмір горностая та духовна близькість його гострої, недоброї мордочки до шиї дами викликають відчуття тривожності. Можливо, Леонардо проводить паралель між характерами дами та жевотного — обличчя дами та мордочки горностая та його самотні холодні очі звернені до однієї бік. Не сумніваюся, що він зобразив саме це тварина до картини. У однієї старовинної книзі горностай описаний як неймовірно чистоплотное тварина. Сфорца зробив горностая своїм символом.

«Дама з горностаєм" — це безсмертна сімнадцятилітня Чечилия Галлерани. Дочка xv століття. Лукава чародійка. Фаворитка міланського палацу. Ніжна і мудра, соромлива і фривольна, постає вона маємо. Проста і складна. Таинственно-привлекательная, з особою майже статичним, вона все-таки має магнетизмом надзвичайного, прихованого руху. Але чому надає виглядом молодий дами цю чаклунське жвавість? Усмішка. Вона ледь зворушила куточки незайманих губ. Причаїлася в трохи припухлих дівочих ямочках в роті і, подібно зарнице, у відповідь зблиснула темних, розширених зіницях, при критих округлими лукообразными веками.

Вдивіться пильніше в тонкі, одухотворені риси «Дами з горностаєм», у її поставу, повну гідності, у її сувору, але витончену одяг і для вами миттєво стане Ренесанс з його чудовими витворами геніальних майстрів искусств.

Чечилия Галлерани. Вона, як маленька планета, відбила сяйво жорстокого, потворного і прекрасного, неповторного xv века.

«Мадонна Литта» (рис. 2) Трохи раніше цієї роботи Леонардо почав писати ще одну картину — «Мадонну Литта» (1478−1784гг). Картина, написана складом фарб, близькими до традиційної темпері, і зараз, попри невдалі реставрації, виробляє моє найбільше враження. З огляду на стіни, прорізаної двома вікнами, сидить молода жінка, що тримає на колінах немовляти, яку вона годує грудьми. Обличчя її, кілька смуглясте, пленяющее своїй дивовижній, тонкої красою, моделировано з тієї легкої, майже невловимою світлотінню, прихильником і знавцем якої був Леонардо. На губах матері грає кілька таємнича полуусмешка, яка робиться відтоді обов’язкової більшість образів художника, поступово стаючи дедалі більше подчёркнутой й гіркою. Це надзвичайно ліричний, хвилюючий материнський образ. Ідеальна краса! Тим більше що, озброївшись лупою, ви знайдете, що з прекрасної мадонни… обгризені нігті (обгризені чи обламані нігті трапляються й дещо в деяких інших італійських мадонн тієї ж епохи, коли манікюр був, мабуть, поширений лише аристократичному колу). Чому ж Україні художник передав таку подробиця, кілька несподівану, в створений ним образі? Вочевидь, такі нігті були в натурниці, позировавшей йому для мадонни. Бо, що він створив їх відтворив, підтверджує якийсь закон, у якому навіть у вільному свою творчість художник якимись нитками завше залишається пов’язаний з об'єктивною реальностью.

«Джоконда» (рис. 3)

Леонардо так Вінчі вважав, що «хороший живописець повинен писати головні речі: чоловіки й уявлення його душі». У Джоконді створив неповторний за складністю, тонкощі психологічний портрет Человека.

Ви вже майже пятьвеков як мільйони людей милуються цим шедевром світового искусства.

Жива… Про це свідчить фантастичним контрастом між сяючим ликом Джоконди, стерео- скопически об'ємним, яскравим і примарним відображеннями постатей глядачів, які відбуваються що черги. Джоконда — ця цнотлива, в скромною одязі дама — приховує за завжди посміхаюся маскою душу трепетну, глибоку, розум гострий, все постигающий.

Неможливо описати словами стан, яке додав Моне Лізі Леонардо: настільки невловимі, зашифровані трепетні руху її душі. Ми не знаємо, що через мить з Моной Лізою — розсміється вона чи заплаче, розгнівається або вона буде продовжувати улыбаться.

Джоконда гранично проста, майже вдовою одязі. Така доступна і незбагненна у цій своєї открытости.

Портрет прекрасної флорентійської значною мірою втілює моральний і естетичний ідеал епохи Відродження. У вигляді цієї жінки постає маємо одухотворене ''обличчя'' епохи, осяяне почуттям власної гідності, багатством інтелекту, глибиною душевних переживань. Обличчя Мони Лізи відбиває багатство відтінків її духовного життя. Усмішка злегка зворушує губи жінки, але особливість цієї усмішки у цьому, що вона показано не фактом, бо як процес: ледве помітні руху, приподнимающее куточки губ, змінює міміку особи. Одухотворенному образу, створеному Леонардо, дивовижно відповідає надзвичайно поетичний пейзаж, розглянутий згори, теряющийся у блакитній дали. Жінка, зображена на портреті, є частиною у цій природі, що у повною мірою відповідало поглядом епохи Відродження: «» Людина — частина природи «».

Безліч наукової праці присвячено цьому портрета, але що історія його кінця не розгадана. Насамперед залишається загадкою, хто позував художнику: була це молода дружина багатого флорентійського купця дель Джокондо чи флорентийка, що жила поруч з Леонардо так Вінчі, ім'я якої залишилося невідомо. Можливо, образ, який бачимо на портреті, — збірний, ідеальний образ молодий жінки тієї епохи. Безперечно лише одне — нам вона назавжди залишиться «Джокондою», таке ім'я носить портрет вже не століття. Що б не казали про «Джоконді», безсумнівно, і нами жінка виняткова, жінка прекрасна. Ні, — не миловидністю чи викличною красивістю (зображення таких осіб Леонардо вважав за краще уникати, і якщо вже доводилося, більшу частину роботи передавав учням). І юної її назвеш. Але як хороша, як внутрішньо змістовна! Скільки гідності в гордої посадці голови, яким високим самосвідомістю віє від цієї особи, скільки чарівної принади в високому, світлому чолі, в глибоких очах, повних розуму й розуміння, як внутрішньої свободи в погляді! Дивовижна цілісність образу, замыкаемого кільцем прекрасних рук, створює відчуття найвищої довершеності. В усьому попередньому мистецтві Ренесансу шукати так само проникливого втілення гуманістичного ідеалу людини — прекрасного, піднесеного, духовно багатого. Магнетична привабливість «Джоконди» — доказ її глибини і, очевидно, її правильності життя. Отже, таємниця цього портрета — не надумана, а якась життєва, потрібна людям — історична і людська. Безперечно, в «Джоконді» — найвища втілення ренесансного ідеалу розумного, гордого, досконалу людину. Та не. Її дивна усмішка, це й чарівна і гірка, каже ще про якесь інше задумі художника, так — про особливому психологічний стан натуры.

Рафаэль.

Сын художника, поэта-гуманиста, про яку знаємо трохи, Рафаель Санті рано досяг вищих почестей. Римський тато хотів увінчати його небувалою для живописця нагородою, і тільки передчасна смерть завадила Рафаелю стати кардиналом. Першу за часом характеристику Рафаеля ми бачимо у листі сестри герцога Урбинского, що називає художника — йому тоді був двадцять рік (1504)-«скромным і милим юнаків». Опис само одержувати його особистості по Вазарі я наведу майже зовсім, так воно близько до того що, що освічений вельможа, воїн і прелат Кастильоне говорив у своєї книжки про скоєному людині. Рафаель був учнем Перуджино, славного умбрийского майстра, яка виразила найповніше той солодкий і ліричний ідеал краси, яким осяяна умбрийская школа живопису. Таким здається нас і зараз м’який пейзаж Умбрии, таким, мабуть, були й мрії Перуджино. Мрії, але з який оточував його дійсність. Бо, як ми бачили, ідеали цієї епохи виражалися найкращими її представниками мистецтво й у філософії, проте який завжди втілювались у життя — отже своїми талантами вони стоять ніби намагалися поправити дійсність. Коли Перуджино створював свої тендітні, ласкаві і кілька наївні образи, радіючи тієї співучості, що він вмів надавати всьому ритму своїх композицій, у самій умбрийской столиці йшла нещадна боротьба між феодалами, і з свідоцтву сучасника, кров там лилася рікою: «її пили собаки і ручний ведмідь, бродивший вулицями». Юний Рафаель нагадував свого вчителя. Однак у ранніх його творах нам виразні зачатки якоїсь нової ідеалу. У лондонській Національної галереї висить його чарівна картина «Сон лицаря», написана 1500 року, тобто Рафаелю було лише сімнадцять років. Лицар — мрійливий юнак, заснулий перед прекрасним пейзажем. Він виконаний грації, то, можливо, ще досить мужній, але вже поєднується із певним внутрішнім рівновагою, душевним спокоєм. Це внутрішня рівновагу осяює написану роком чи двома пізніше знамениту ермітажну «Мадонну Конестабиле» (так названу під назвою її старого власника). У цьому картині нічого немає випадкового, немає і образу більш ліричного, як і більше міцного своїм внутрішнім структурою. Яка гармонія в погляді мадонни, нахилі її голови всіх і кожного деревце пейзажу, у всі деталі в усій композиції загалом! І вже тільки живої життям дихають постаті нежно-задумчивой матері та так чудово який влаштувався їхньому руках немовляти. Усе значно легше та законченно-ясно. Флоренція, куди він переїжджає потім, — наступний етап у творчості Рафаеля. До цього періоду належить його автопортрет, написаний 1506 року (Флоренція, Уффіці), коли Рафаелю було двадцять 3 роки. Голова його й плечі чітко вимальовуються на гладкому тлі. Контур надзвичайно тонкий, трохи волнист (у Флоренції Рафаель вже призвичаївся до мальовничим відкриттям Леонардо). Погляд замислений і мрійливий. Рафаель хіба що дивиться поширювати на світ і переймається його гармонією. Та митець ще боязка, він нескінченно юний, ласкава покірливість розлита з його особі. Проте крізь непевність і млість вже відчувається народжуване душевну рівновагу. Різко виступає нижня губа, лінія рота, він красиво й енергійно вигнута, тонкий овальний підборіддя видають рішучість і владність. … Рафаель — це завершення. Адже всі його мистецтво гранично гармонійно, дихає внутрішнім світом, і, найвищий, з'єднується у ньому з людинолюбством і душевної чистотою. Адже його мистецтво — радісні і щасливе. Адже воно висловлює якусь моральну задоволеність, примирення людину з своєї бренной долею, прийняття життя в її повноті і приреченості. Бо, на відміну Леонардо, Рафаель не томит нас своїми таємницями, не розтрощує своїм всевидением, а ласкаво запрошує насолодитися земної красою разом із. Бо, на відміну Леонардо, він — хоч і прожив набагато менше — встиг висловити у живопису, мабуть, все, що міг. І це отже — повне царство гармонії, вроди й добра. Рафаель не відкривав нових світів, на відміну Леонардо і Мікеланджело, він не бентежив сучасників дерзостностью своїх пошуків: він намагався до вищої синтезу, до променистому увінчанню всього, що було перед ним, і це синтез він знайдене й втілено. Папа Юлій II доручив Рафаелю розпис свою особисту покоїв, чи станц, в Ватикані. У Римі, де створено чи зібрано стільки великих пам’яток мистецтва, ці фрески виробляють одне з сильних і невідпорних вражень. Як ви входите в станцу делла Синьятура (станцу підписів), відчуваєте почуття цілком особливе: радісне звільнення від України всього малого й суєтного разом із прилученням чогось дуже талановитому вченому і світлого. Флорентійські мадонни Рафаеля — це дуже витончені, миловиді, зворушливі і чарівні юні матері. Мадонни, створені ним у Римі, тобто у його повної художньої зрілості, набувають інші риси. Це вже володарки, богині добра та краси, владні своєї жіночністю, облагораживающие світ, пом’якшувальні людські серця й які обіцяють світу ту одухотворену гармонію, що вони собою висловлюють. «Мадонна у міністерському кріслі» (Флоренція, галерея Питти), «Мадонна з рибою» (Мадрид, музей Прадо), «Мадонна дель Фолиньо» (Рим, Ватиканська пінакотека) та інші всесвітньо відомі мадонни, то повній свободі вписані до кола, то що панують у слави над іншими постатями у великих вівтарних композиціях, знаменують нові пошуки Рафаеля, шлях його досконалості у втіленні ідеального образу мадонни. Цій великій живописцю були чужі зодчество і ліплення. Після смерті Браманте керував будівництвом знаменитого римського собору святого Петра, плани його схвалено, але встиг закласти лише фундамент. Серед учнів Рафаеля був і скульптор — Лоренцо Лоренцетто. По ескізам й під керівництвом свого вчителя він виконав кілька скульптур, з до нас дійшла лише одне — «Мертвий хлопчик на дельфіні». У ньому втілені в мармурі рафаэлевский ідеал краси, його ритму і гармонія: немає жаху смерті, здається, ніби дитина мирно заснув. Це єдине свідчення скульптурного генія Рафаеля зберігається у нашій Ермітажі. Таким був велика майстер Високого Возрождения.

«Флорентійські мадонни» (рис. 4).

Флорентійські мадонни Рафаеля — це дуже витончені, миловиді, зворушливі і чарівні юні матері. Мадонни, створені ним у Римі, тобто у його повної художньої зрілості, набувають інші риси. Це вже володарки, богині добра та краси, владні своєї жіночністю, облагораживающие світ, пом’якшувальні людські серця й які обіцяють світу ту одухотворену гармонію, що вони собою висловлюють. «Мадонна у кріслі», «Мадонна з рибою», «Мадонна дель Фолиньо» та інші всесвітні відомі мадонни, то повній свободі вписані до кола, то що панують у слави над іншими постатями у великих вівтарних композиціях, знаменують нові пошуки Рафаеля, шлях його досконалості у втіленні ідеального образу мадонны.

Спільність типу деяких рафаэлевских жіночих образів римського періоду породила припущення, що художнику служила моделлю сама й той самий жінка, кохана, прозвана «Форнарина», що таке булочниця. Ця римлянка з ясними благородними рисами особи, яка удостоїлася любові вельможнейшего з живописців, була дочкою пекаря. Можливо, образ неї і надихав Рафаеля, проте це образ, очевидно, навряд чи був единственным.

Спільність типів деяких рафаэлевских жіночих образів римського періоду породила припущення, що художнику служила моделлю сама й той самий жінка, кохана, прозвана «Форнарина», що таке булочниця. Ця римлянка з ясними благородними рисами особи, яка удостоїлася любові великого живописця, була дочкою пекаря. Можливо, образ її й надихав Рафаеля, але він, очевидно, навряд чи був єдиним. Тому що ось що ми читаємо у листі Рафаеля: «Скажу вам, що, щоб написати красуню, мені треба бачити багатьох красунь… Що внаслідок нестачі як і хороших суддів, і у гарних жінок я користуюся деякою ідеєю, яка надходить мені на розум. Не знаю, чи має якесь досконалість, та дуже намагаюся цього достигнуть».

«Сикстинская мадонна». (рис. 14)

Важливе місце у мистецтві великого художника досі посідає образ мадонни, який здобуває риси більшої монументальності і впевненості. Така «Сикстинська мадонна».

Цей образ глибший, ніж ранні мадонни. Марія йде по хмарам, несучи свою дитину. Серйозний і тривожний погляд матері нам свідчить, що вже знає, які випробування випадуть частку її сина. Слава її не підкреслена. Ноги босы. Але як володарку зустрічає її, схиливши коліна, тато Сікст, одягнений у парчу, святая Варвара опускає очі з благоговінням, а через два янголятка, відчуваючи її поступ, спрямовують вгору мрійливо — замислений погляд. Коліно похилий, покірний Сікст не відриває захопленого погляду від богоматері. Вона йде до людей, юна і велична, что-то тривожне затамувавши у душі. Мадонна як гарна, вона й нескінченно мудра.

Її погляд, здається, проникаесамую глиб явищ. Про неї можна сказати словами віршів Сервантеса, присвячених поэзии:

Вона бачити суть явищ де він, де для наймудрішого темно…

«Сикстинська мадонна»! Велична, проста. Лише після хаосу, руйнацій, які пройшли маємо, особливо яскраво вражали гармонія, краса цього найбільшого шедевра світової живописи.

Видовище, преображающее реальність у її велич, речей мудрості і красі, видовище, піднесене душу своїй цілковитій гармонией.

Ця мадонна — втілення того ідеалу вроди й добра, який погано надихав народне свідомість у XXI століття Рафаеля і який Рафаель висловив до кінця, розсунувши завісу, то самий, що відокремлює буденне життя від натхненною мрії, і показав ідеал миру.

«Мадонна Конестабиле». (Рис. 5)

У цьому картині не нічого випадкового, немає і образу більш ліричного, як і більше міцного своїм внутрішнім структурою. Яка гармонія в погляді мадонни, нахилі її голови всіх і кожного деревце пейзажу, переважають у всіх деталях в усій композиції загалом! І вже тільки живої життям дихають постаті ніжно- замисленою матері та так чудово який влаштувався їхньому руках немовляти. Різко виступає нижня губа, лінія рота, він красиво й енергійно вигнута, тонкий овальний підборіддя видають рішучість і владність. Усе сильно змінився й законченно — ясно.

2. «Образ Мадонни у німецькій і нідерландською живопису Возрождения»

Лукас Кранах Старший

В невеличкий колекції німецького мистецтва XV (XVIII ст. Ермітажу особливу цінність представляють твори майстра Відродження Лукаса Кранаха Старшого. Творчість цього художника представлено творами середнього та пізнього періодів. Художнику притаманні любов до ефектним, захопливим глядача сценам разом із прямолінійною, майже схематичною трактуванням образів. Він був художником декоративного складу. Його покликання- не сюжетні картини, а барвисті розписи, яким він прикрашав зали герцогських замків. Ренессанское світовідчуття пронизує картину «Мадонна з немовлям під яблунею» (рис. 6). Церковна символіка (яблуня — дерево Єви, первородний гріх якої спокутує Марія, кірочка хліба на руці немовляти- позначення тіла Христа) не знижує загального гедонического характеру твори, де молода красуня, яка втілює земні чари і материнства, як панує у природі. У період, як у протестантській Саксонії майже зникли церковні замовлення, а світське мистецтво розвивалося, художник не відійшов від релігійної тематики. Мадонна під яблунею — найкраще Ермітажі твір Кранаха. Його символіка пов’язані з християнським догматом про гріхопадіння і рятування роду людського: немовля Христос тримає до рук яблуко і хліб вважається символом спокути первородного гріха ціною своєї плоті. Богоматір виступає тут як друга Єва, искупившая гріх прародички роду людського. Це тип протестантській Мадонни, яка уособлювала справжню земну церква. Чудова панорама з гладдю озера і синіючої біля обрію ланцюгом гір нагадує у тому, що Кранах — одне із творців жанру пейзажу в західноєвропейського живопису. Барвиста гама, побудована на поєднанні червоного та золотаво-жовтого квітів з смарагдово-зеленим і холодно-голубым, свідчить про чудовому колористическом обдаруванні художника.

Антонис ван Дейк

Обратим увагу до майстерність портретиста Антониса Ван Дейка у картині «Мадонна з куріпками» (рис. 7). Картина належить до його кращих сюжетних композицій. Традиційний у європейському мистецтві сюжет- відпочинок святого сімейства шляху до Єгипет («…Ангел Господній є в сні Йосипу у відповідь: вставай, візьми Немовля і Матір Його, і біжи до Єгипту, і чи там, доки не скажу тебе… Он встав, взяв Немовля і Матір Його вночі, і пішов у Египет… «[1]) у Ван Дейка отримує своєрідне втілення. Сцені, де зображено Мадонна з немовлям, святої Йосип і фігурки немовлят, развлекающих Христа, він надає кілька театральний характер. Майже постановочно, по-балетному виглядає дитячий хоровод, яскраві і ошатні деталі вносять в картину декоративний елемент. Ці деталі мали алегоричне сенс, пов’язані з культом діви Марії (троянда і лілея- квіти Марії, яблуко- спокута гріха Єви, соняшник, що завжди прагне сонцю- натяк на піднесені помисли Богоматері, куріпка- символ безпутності- летить). Разом про те Ван Дейк надає сцені інтимність і теплоту. Чувственно-осязателен жіночий образ, діти, що у «золоті ворота», граціозні і витончені, м’якість і притушенность колориту картини добре передають атмосферу і упереджене висвітлення наступаючого вечера.

Робер Кампен

«Мадонна з немовлям біля каміна» (рис. 8) Робера Кампена належить до шедеврів Ермітажу. У минулому «Мадонна з немовлям біля каміна» і «Трійця» становили диптих (двустворчатый складень), тому при экспонировании обидва сюжету було укладено на єдину раму. Традиційність виконання особливо відчувається в «Трійці», де характер композиції, об'ємна ліплення лідерів та зображення п'єдесталу свідчить про вплив готичної скульптури. На інший стулці- «Мадонна з немовлям «. У цьому композиції майстер відступає від готичних традицій і це створює новаторський для свого часу твір. Мадонна з немовлям представленій у кімнаті звичайного нідерландського вдома, причому обстановка відтворено із незвичною ретельністю. У стіни на столику стоїть таз і глечик для омивання, на поличці висить рушник, детально написані дерев’яні стулки вікна зі капелюшками мідних цвяхів. За вікном можна розгледіти куточок пейзажу. Сидячи з немовлям на руках біля запаленого каміна, Мадонна простягнула убік вогню руку, очевидно для здобуття права зігріти її й оминути холодними пальцями тільця дитини. А можливо, що мати просто захищає його від спека полум’я. Але за будь-якого разі цей жест явно помічено у житті й носить конкретний, побутової характер. Проте багато речей картині представляється умовним- передача простору (підлогу круто нахилений отже постаті хіба що скочуються до нижньому краю картини), із різних точок зображені глечик, таз і умивальний столик. Частина предметів сприймалася сучасниками митця і як символи (так, наприклад, таз, глечик, біле рушник- знаки чистоти та незайманості діви Марии).

Рогир ван дер Вейден

РОГИР ВАН ДЕР ВЕЙДЕН (Rogier van der Weyden) (прибл. 1400−1464), одне із найбільших майстрів нідерландського живопису 15 в., народився Турнэ. Його картина Зняття з хреста (1438, Мадрид, Прадо) вважається однією з найбільших творів світового мистецтва. Цей вівтарний образ було написано для капели гільдії стрілків в Лувене. Зняття з хреста — єдине твір, про яку відомо, що його належить Рогиру ван дер Вейдену. Навколо цієї роботи сучасні мистецтвознавці згрупували кілька подібних за стилем портретів і картин на релігійні сюжети, які, на думку, теж були виконані Рогиром ван дер Вейденом. Завдяки такій «реконструкції» творчого спадщини маємо постає художник найбільшої витонченості, здатний передати найглибше відчуття і дрібні нюанси в портретах. До жалю, неможливо привести перелік робіт Рогіра ван дер Вейдена, з яким погодилися б, усе вчені. Серед приписуваних йому творів: Св. Лука, який малює Мадонну (Санкт-Петербург, Ермітаж), полиптих Страшний Суд (Бон (Бургундія), капелля Госпіталю, 1446−1451), Вівтар Бладелена (Берлін — Далем), Молода жінка на білому головний убір (Берлін — Далем) і Філіп де Круа (Антверпен, Музей образотворчого мистецтва). Деякі дослідники виділяють групу творів, які стосуються раннього періоду творчості Рогіра ван дер Вейдена (Вівтар Мероде із музею Метрополітен та інших.). Проте оскільки більшість учених вважають, що вони належать Майстру з Флемаля. У старовинних документах збереглося кілька розрізнених фактів про життя Рогіра ван дер Вейдена. Він в Турнэ у Робера Кампена (на жаль, не збереглося жодної картини, що було б із упевненістю вважати роботою цього майстра). Близько 1430 Рогир одружився з дівчині з Брюсселя і замешкав у Запоріжжі. Невдовзі почав працювати на замовлення міського ради. Одне з таких замовлень був чотири алегоричні композиції для прикраси Золотий зали міської ратуші на задану тему Правосудия. До його замовників були впливові люди: канцлер Нікола Ролен і скарбник Пітер Бладелен. У 1459 одинадцять картин Рогіра ван дер Вейдена, написаних на замовлення абата монастиря Сент Обер в Камбрэ, було передано туди дружиною і слугами художника. У 1463 Рогир ван дер Вейден отримав прекрасного листа від Бьянки Сфорца, герцогині Мілана, у якому вона висловлювала майстру подяку через те, що він прийняв її протеже у учні. Помер Рогир ван дер Вейден у Брюсселі в 1464. Сформувався митець в майстерні Робера Кампена, навчившись багато чому Ян ван Ейка, Рогир ван дер Вейден (около 1399−1464)тем щонайменше сильно відрізнявся від цих майстрів. Мета своєї творчості вона бачила над восхищенном спогляданні світу, де повсякденне дорівнює чуду, а осягненні індивідуальності особистості (що робив його глибоким психологом і чудовим портретистом). «Св. Лука, який малює Мадонну» () Рогіра ван дер Вейдена. Сюжет твори грунтується на легенді, який розповість у тому, що з учнів Христа, Лука, був охарактеризований першим, хто створив портрет Мадонни. У століття, коли з’являються цехові організації, живописці Нідерландів проголошують Луку покровителем своєї гільдії. Рогир ван дер Вейден представив святого в останній момент творчості. На відміну від художників німецького Відродження, уделявших основну увагу людини й зображували його зазвичай, у центрі композиції, нідерландських майстрів однаково цікавить і творча людина та його оточення. Помістивши постаті Марії з немовлям зліва і Луки- справа, всю середню частина картини Рогир ван дер Вейден зайнявся пейзажем, відкривши погляду глядача перспективу минаючої вдалину річки з міською кварталами їхньому берегах, написаними так саме і старанно, що у дослідники навіть змогли дізнатися ряд будівель і побачити, що це будинку старого Брюсселя. Однак у очі надмірно різке скорочення розмірів постатей- прийом, з допомогою якого майстер прагне передати глибину простору (порівняно недалеко розташовані від персонажів першого плану фігурки батьків Марії- Йоахіма та Ганни- здаються тому непропорційно маленькими). У зображенні немовляти позначається недостатнє знання дитячих пропорцій, відчувається скутість рухів. Нідерландські художники значно пізніше, ніж італійські, опановують мистецтво передачі оголеного тіла. Це як впливом церкви, а й слабким знайомством з античним спадщиною. На відміну від своїх попередників, зображували персонажів картин в споглядальному стані, не розкриваючи їх емоцій, Рогир ван дер Вейден прагне передачі людських почуттів. Обличчя Луки відбиває його схвильованість, він увесь перейнятий лише процесом творчості. Це обличчя, безсумнівно побачене у житті, можливо, автопортрет художника. У центрі эрмитажной картини (але це одне із кількох збережених варіантів твори) проходить вертикальний шов. У минулому, коли ця робота лежить у Іспанії, її розпиляли на частини. У 1850 року зображення Луки придбали у Голландії і зробили до Ермітажу як самостійне твір. У 1884 року до Петербурга було доставлене зображення Мадонни. Коли з’ясувалося, що це частини однієї композиції, їх, об'єднавши, перевели з дощок на полотно. Попри те що, у результаті перекладу й під впливом часу картина кілька марніла, він і зараз тішить око звучними фарбами. Ми милуємося красою тканини і золотим гаптуванням сукні Мадонни, коштовним камінням її прикрас, докладно і любовно написаними деталями одягу. Порівнюючи образи Мадонни нідерландських і німецького майстрів, слід зазначити м’якість і теплоту робіт нідерландських живописців. Німецькі композиції більш схематичні, і швидше, нагадують ікони, ніж вільні полотна. У всі деталі укладено якийсь алегоричне, релігійний сенс. Для порівняння- «Мадонна з куріпками» Ван Дейка має скоріш театральне втілення. Мені близькі більш полотна нідерландських майстрів, чудове знання пропорцій людського тіла, м’якість і округлість ліній і чітка обрисовка деталей у яких неспроможна залишить байдужим жодного людини. Проте, попри різницю сприйняття образу Мадонни живописцями, відчувається любов, і ніжність, що вони постаралися перенести на полотно. І дуже навіть через століття відчуваємо то ніжне почуття, з яким писався образ Мадонни- сам образ Матери.

3. Образ Мадонни у сучасній живописи.

Олексій Кузьмич

Можно не знати Рафаеля та її «Сикстинської Мадонни », «Петроградській мадонни «Петрова-Водкіна, двох «Партизанських мадонн «чи «Мадонни Биркенау «Михайла Савицького, але мадонн Кузьмича знає кожен. Не бачив, то щось чув про неї. Адже Олексій написав цих мадонн не дві, не десяту та навіть сотню, а близько тисячі. Не дивно, що найбільший, трирівневий зал Спілки художників — «Палац мистецтв «надворі Козлова майже весь завдяки сприянню глави Мінська Михайла Павлова віддали у розпорядження Кузьмича. Вчора тут відкрилася виставка його найкращих робіт, але тільки мадонн… Його роботи балують розмаїттям, і модель зображення ними впізнавана і близька кожному. Хтось стверджує, що це її дружина, а немовля їхньому руках чи немовлята, її оточуючі, — це їхнє діти. Ні, на картинах Кузьмича зображено все-таки, не конкретна жінка, саме Мадонна. І це його досягнення як митця. Кузьмич захоплено, захопливо, з якоюсь пронизливою пристрастю може говорити, сперечатися і звеличувати своїх мадонн. А каятися, сміятися і плакати з них. І робить він це емоційно, щиро. Адже, як усякий великий художник, Кузьмич у душі що й артист. Скажу більш, він у республіці, мабуть, не перший і самий послідовний пропагандист, чи, як нині кажуть, менеджер своїх робіт. Про нього написано тисячі, і може, десятки тисяч журналістських статей — газети люблять сенсації (тисячі мадонн!!!), яскравих, неординарних людей. А про Кузьмича знято близько ста телесюжетів і кілька документальних фільмів. Виданий шикарний альбом його робіт. А про те, що його роботи тиражуються на різноманітних продукції, де немає мистецтва нічого спільного (на обкладинках книжок, календарях, плакатах), що у сьогоднішнім мірками є також запорукою колосальної популярності, впізнаваності. Поети присвячують йому його мадоннам вірші та песни.

Говорят, за цю немислиму популярність, і може бути, що й за цю напористість, настырность колеги за ремеслом була дуже шанують художника Олексія Кузьмича, а закупівельні комісії при Міністерство культури, яким виділяються гроші з бюджету, поспішають набувати роботи популярного художника. Річ у тому, що це явище, гадаю, сьогодні її вже далеко не всі сумнівається. Олексій Кузьмич. Сьогодні це частіше від інших зустрічається зі сторінок періодичних видань. Репродукції картин художника прикрашають більші поступки й малі журнали. Йому позують письменники й артисти, кінорежисери і громадські діячі. Популярність, слава. Вони дійшли Олексію Кузьмичу другою десятку літ творчого життя, розпочавши прояснятися її загальний задум, невідомий спочатку й самому художнику. Принаймні створення, картина за картиною, як сторінка по сторінці, складається книга творчого життя живописця. У першій її частини художній світ Олексія Кузьмича конкретний, відчувається потяг до портрета, тематичної картині. Безпосередні враження від зустрічах із рідними місцями, людьми входить у плоть Шевченкових творінь: «У вікна «(1974), «Неділя », «Дівчина і обов’язково квіти «(обидві 1976), «У мастерні художника «(1977) та інші. Не полишаючи безпосереднього почуттєвого досвіду, художник хоче самовизначитися: схопити і пропозицією висловити пластичний характер людини, образ чи сутність речі, її матеріал, енергію та т.д. Прості життєві спостереження, прості життєві початку. Як часто буває початку шляху, інші роботи подражательны. Вони вгадуються особи великих кумиров-учителей, цінують з учнівської лави — Тиціана, Ель- Греко, Ван-Гога. Але це наслідування не сліпе, не формальне. Молодий художник немов би проходить щаблі, возведённые перед ним, щоб потім піднятися до рівня, де зазвучить вже його, лише його мотив. Попереду набуття майстерності, виходу серйозним цивільним та загальнолюдським проблемам. З кола життєвих турбот центр тяжкості переміщається на теми великого філософського звучання, про сенсі присутності людини, про його моральному борг, про призначення жінки — матері - Мадонни, про духовної ролі слов’янських народів в загальнолюдської еволюції. Художник пильно вдивляється в людські долі, щоб краще зрозуміти життя й час. З вражаючим сталістю Олексій Кузьмич повертається і повертається до до темі Мадонни. Він ніби змагається з майстрами Ренесансу, справедливо вважаючи, що забезпечує високу мистецтво Відродження і сьогодні облагороджує і очищає, несе заспокоєння, несе тепер добро людям, у якому завжди мав потребу людина. Початок розвитку теми було покладено 1983 року картиною «Майбутні мадонни «. У ньому молодість як вдивляється у світ, відкриваючи незвідане. Образи природні і життєві, майже конкретні. У наступних роботах художник приділяє увагу стільки ретельному пропрацюванні деталей, широті передачі реальних просторових відносин, скільки продуманої гармонії світла, і кольору. Живописець прагне утончённости і вишуканості зображення. Імпульсивний енергійний мазок, вібруючий світло збільшують емоційну насиченість картин. У полотнах з «Мадонна Київської Русі «, «Мадонна над світом «(1987), «Яка Зійшла з неба «(1988), «Мадонна над Мінськом », «Чорнобильська Мадонна », «Мадонна. Підняття «(все 1989), «Мадонна і ангели «(1990) — і подив, терпіння та співчуття, власний страх і надія. Головна ж ідея цих творі - торжество і велич духу, жертовність і страждання в ім'я людей. Саме їй присвячені картини «Плач Єфросинії Полоцькою «. «Плач князівни Рогнеди «(обидві 1990), весь цикл робіт «Плачучі мадонни «. Світ Мадонни митця — те й його світ. У ньому у відповідь безбарвність і хаос сьогодення. «Зараз суспільство відчуває величезну потреба у реставрації духовних цінностей, — каже художник, — найвищої метою мистецтва є твердження краси, Божественного у людині. Мистецтво має нести світу Свічку Духовності, оскільки, як і багато сторіч тому, чоловік і сьогодні прагне світу, де любові «.

Природная стійкість і відчуття опору змушують художника знову і знову як до цієї теми відродження коренів, до втраченим зв’язкам між людиною і природою, людиною і Космосом. Це всеосяжна ідея також знаходить собі втілення у дорогому митця образі Мадонни. Тарковський говорив, що у кращих творах поезії є триєдність: світ, мову, художник. Сповна це стосується і до малярства. Недостатність однієї з компонентів цього єдності робить твір неповноцінним, немічним. Втрата кревної зв’язку зі своєю землею завжди згубна для творця. Усвідомлено або цілком Олексію Кузьмичу вдалося це уникнути. Устояв і перед бурхливим тиском різноманітних авангардних течій, зберігши у своїй образотворчому мові чистоту і поетичний повів. Творчість митця — це її храм. зведений його вихованням, еволюцією, культурою, думкою. Так було в добрий самий шлях, Олексій Кузьмич! Хто любить жінку, хто любить світ, хто пише жінку, тому допомагає бог, — це слово стали творчим кредо для Олексія Васильовича Кузьмича. Народився митець у 1945 р. в Мохро — великий красивою поліській селі на Брестчине. Батька не пам’ятає. Повернувшись із фронту, він незабаром помер. Ростила і виховувала Олексія мати Олександра Максимівно. Прилучився мистецтва Олексій з дитинства. Цьому допомогли двоюрiдний брат Степан, художник- самоук, вчитель малювання у місцевій школі Анатолію Павловичу Рубанович і п’ять сестер. Після дев’яти класів майбутній художник їде до далекий сибірський місто Красноярськ. Йому хотілося й не так великі гроші і пригод, скільки пізнань. У Красноярську народився Суриков. Тут багато пов’язаний з ім'ям великого художника, є училищі ім. Сурікова, блискуча картинну галерею. Кузьмич приходив туди вони часто й подовгу простоював у полотен, захоплюючись великим неперевершеним талантом. Поруч із училищем — художня школа їм. Сурікова, куди, до великого щастю, і зробив Кузьмич. Закінчив школу — повістка до армії. Після служби Олексій приїхав вступати у Мінський театрально — художній інститут, але приймальні іспити спізнився. Довелося йти працювати на підшипниковий завод. Там він дізнається, що поруч у Палаці культури існує прекрасна художня студія, якої керує А. У. Барановський. Показав йому свої роботи. Анатолію Васильовичу залишився дуже задоволений і від його себе. У студії Олексій ще більше повірив у себе, немов художника. Наступного року Олексій Кузьмич вступає у театрально — художній інститут. Іспити здав на «відмінно «. Навчався охоче. Залишили Олексія Кузьмича по закінченні викладати у інституті. Але що він зрозумів, що ні народжений при цьому. Пішов з інституту. Усього себе направив на самовираження, на творчество.

15 років їх визнають, не дають виставлятися. І тому, що у своїх картинах він сміливо відкриває таїнства краси жіночого тіла разом із високої духовністю, одухотвореністю. Лише 1989 року у Мінськом Палаці мистецтва відбулася його виставка. Успіх мала величезний. Після неї роботи Олексія Кузьмича побачили жителі Вітебська, Бобруйська, Барановичів, Гродно, Могилева, Гомеля, Бреста й інших містах республіки. Кращий виставкова зала було надано Кузьмичу Союзом художників СРСР Москві. Тут особливо гостро вона відчула, наскільки потрібно очевидно: він створює, людям. При серйозному, уважному аналізі, вивченні творчість Олексія Кузьмича можна розділити сталася на кілька етапів. У першому етапі художник протиставляє женщине-труженице, ударнице, засудженої революцією й дуже званим соціалістичним способом життя на кабальні умови існування, мадонну. Романтично — піднесено і сміливо зображує її живописець. Він у міру суті відроджує мистецтво як жінку, як є від природи, чи втрачену духовність народу. В іншому етапі творчості Олексія Кузьмича мадонна реальніша, земна, історично конкретна. Він відчуває у собі потреба показати трагізм подій не певних історичних зламах. Вражає, а то й сказати вражає, картина «Червона мадонна «. На голові жінки, доброї, щирою, пов’язаний червону хустинку. Він щільно облягає плечі героїні до пояса, створюючи перекрученою, деформованої форми ідеологічний круг-ореол. Ніяк не вирватися мадонні з цього зачарованого кола, її душить, пригнічує принижує. У відчаї, втративши віру стати вільної громадської та незалежної, мадонна плаче. Планетарна сум їхньому гарному особі. У фільмі «Рогнеда «полоцька княжна також плаче. І це плач також історично виправданий. Рогнеда хіба що піднімається над часом і простором. У його широко відкритих очах і ще сум, і навіть жах, і другий докір, і благання. Волосся локонами, веероподобно рвуться до неба. Звідти жінка спустилася, щоб подивитися, що змінилося землі до її відсутність, що люди є. Принесла з глибини сторіч свої образу, біль, протест нам, людям. Вперше у світовій історії мистецтв плачучі мадонни побачили полотнах Кузьмича. Білоруський художник порушує усталені канони, йде від протилежного. Плач мадонн — це плач щодо його власної душі, яка несамовито шукає виходу, поранена і доведена до вищого рівня протесту на незліченних зіткнення з протиріччями розвитку нашого суспільства. Потрібно бути дуже вдячним художнику над його велику громадянськість, патріотизм, непорушне бажання свій народ вільною і счастливым.

Детство Олексія Кузьмича відбулися великому селі Мохро на Брестчине в багатодітної селянській сім'ї. День народження його — 1 червня 1945 року запам’ятався селянам великими пожежами, случившимися від удару блискавки. Розповідали, що мати Олександра Максимівно сприйняла їх як знамення, яка обіцяла синові велике майбутнє. Василь Феодосійович Кузьмич, батько Олексія — нащадок старовинного шляхетскою роду. Коли хлопчику було півтора року, батько помер, позначилися поранення, отримані на фронтах Великої Великої Вітчизняної війни. Олександра Максимівно одна виховала сімох дітей, сподіваючись на працю, Бог і погода добрих людей. Сестри захоплювалися рукоділлям. Попри труднощі життя, в домі часто звучала пісня. Мабуть, найяскравіші спогади дитинства Олексія пов’язані з дуже шанують у селі людиною Рубановичем Анатолієм Павловичем, художником, іншому батька. Це справді цікавий, широкої культури, високоосвічена людина (навчався у Варшаві, Парижі, Відні). Хлопчика пов’язувала з нею зворушлива дружба. Ось і відбулася перша долучення до мистецтву. Олексій почув імена: Тіціан, Веласкес, Ван Гог, побачив репродукції їх картин. Розвитку природних здібностей хлопчика сприяв і двоюрiдний брат Олексія, Степан Кузьмич, одарённый самодіяльний художник. Старші діти входили у життя. Дороги мандрівок вабили і Олексія. У 1962 року шістнадцятирічний юнак їде під Красноярськ, де живуть нею далекі родичі. Працює, відвідує класи художньої студії. Після служби до армій 1968 року повертається на Білорусь, живе й працює звісно. Тут почалося систематичне художню освіту Олексія Кузьмича. Спочатку в студії образотворчого мистецтва під керівництвом чудового педагога й сумлінності маляра А. У. Баранівського, потім — в Білоруському державному театрально — художньому інституті, де викладали У. Суховерхов, П. Крохолев, Н. Воронов. У П. Воронова Олексій Кузьмич перейняв вільну манеру листи, володіння кольором. Уроки ж головного вчителя, яким вважає Олексій А. Барановского, залишили у формуванні молодого художника категорично не тільки професійний, а й моральний след.

С закінченням інституту настає час активної самостійної творчої діяльності. З 1975 року Кузьмич — учасник художніх виставок. У 1981 року народний художник Республіки Білорусь у Л. Щемелев, заслужені діячі мистецтв П. Крохолев і П. Стасевич рекомендують Кузьмича в Радянський Союз художників. У цьому року відбулася перша персональна виставка творів художника. Картини Олексія Кузьмича купуються Державними музеями республіки, багатьма вітчизняними і закордонними колекціонерами. Колекція даної виставки склалася з картин написаних протягом усього творчого шляху, вона досить повно дозволяє оцінити індивідуальні особливості і потенціал художника.

Михайло Савицкий

Думая з приводу створення синтетичного, узагальнюючого образу республики-партизанки, Савицький виходив з конкретного і має собі подібного історія війн факта-две третини території окупованої Білорусі контролювалися партизанськими сполуками. У цих зонах (глибокій тилу ворога!) була Радянська влада — працювали сільради, школи, люди трудилися і виходили на бойові завдання. Сам факт говорить про могутніх життєвих силах народу, який не можна ані підкорити ні знищити. Його осмислення митцем і викликало образ, споконвіку уособлює продовження і торжество життя, — мадонну. Дві картини з однією і тим самим назвою, Партизанська мадонна «(рис. 12) створив Михайло Савицький. Першу — в 1967 року. У центрі її - образ молодий селянської матері з міцними босими нотами і засмаглими натрудженими руками. Вона сидить годує грудьми дитини. Голова туго зав’язана темно-синім хусткою. Накинута на плечі червона шаль перетворює білу блузку і чорну спідницю в урочисте вбрання. Іконна краса колірного співзвуччя доповнена золотом горбкуватій землі, де, як і мирний час, і у роки, жінки потискали хліб. Ритм їх зігнутих спін, їхнім виокремленням серпоподібний полукруг, в міські р лінійним ритмам у виконанні молодий матері, співучої плавності її силуету. Вона ж земля — єдиний образ гармонії буття народного. Але драматично протипоставлено йому різкі перехресні ритми гвинтівок і рішуча поступ тих, хто від нас у бій… Немов скам’яніла в тяжкому роздумі стара жінка. Так, Вітчизняна війна вимагала жертв. І на історичних битвах добре видно великий сенс материнській любові і материного подвигу. Без ефектних діянь П. Лазаренка та фраз, він простий і неминучий, як самі військові будні. У «Партизанській мадонні «чується пісенне звучання величного народно! про епосу відданість і мужність, про рідної землі й її захисників. У 1978 року, коли одна одною з проміжком лише два місяці з’являлися у майстерні Савицького картини антифашистській серії, художник створив другу «Партизанську мадонну». У назві її лише зазначено — «Мінська» (рис. 13). Державний художньому музеї Білорусі замовив Михайлу Андрійовичу копію чи варіант першої картини, Але, як стверджує художник, повторювати себе він не бачить часу. Кожна робота має бути рухом вперед. І він написав ту тему зовсім іншу картину, яка тільки поступається художнім гідностям першої, але несе нового змісту. Тут молода мати представляє в вертикальному форматі полотна. (Перше — майже квадрат.) Вона ніби наближається до нас. Два погляду ~ матері, схвильованої, і сина, повного недитячої серйозності, — спрямовані на глядача. Такий двоєдиний образ більш эмоционально-динамичен, звертається до відкритого і довірчого контакту. Немов подолано бар'єр самозаглибленості, суттєвий У першій картині, у якій велична епічність сплавлялася з рисами жанрової сцени. У новій переважають урочистість ідеалу і патетичний почуття передодня нового. Оспівуючи духовну красу народу роки військових випробувань, художник каже про, якими вічно жваво людство. Непроминальний сенс першого образу прочитується в переломленні традицій давньоруської живопису. Він пов’язані з «Петроградській мадонною «До. Петрова-Водкіна У цьому вся — співзвуччя часів… Друга картина адресована традиціям итальянскою Відродження. Вони позначилися в стилістичних ознаках: розвинене всередину простір, активніше стала пластична ліплення. У композиційною схемою зв силуэтном рішенні, в інтерпретації мотиву жертовного несення дитини — символу новому житті й нової надії - ясно прочитується аналогія з рафаэлевской «Сікстинської мадонною». У сучасному творчої практиці дедалі частіше зустрічаються пряме звернення до класичним аналогом. І це ганебно. Якщо першооснова будь-якого мистецтва — буття й його ідеали, то в другій джерело — накопичений людством художній досвід. Використання їх у творчості сучасного художника як і правомірно, як застосування ученим попередніх відкриттів. Питання у цьому, як талановито проецировано на сучасність класичне твір, як виправдано задумом автора.

III. ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Сколько мадонн створено живописцями з давнини донині! Кожен часу — своя мадонна. Своя він і в кожного художника. Адже слово «мадонна» означає «моя жінка» … З цією значенням з'єднався образ материнства як невід'ємний від ставлення до прекрасної жінці, виконує головну життєву місію. Вже формах культової живопису цей образ став втіленням гуманних, загальнолюдських понять. І він органічно перейшов у світську живопис. З часом його гуманне зміст звільнялося від релігійної оболонки. Зображуючи мадонну з немовлям, художники рідко відмовляють собі у задоволенні додати позначку, чи вазочку з іншими кольорами, чи певної іскристий скляний кулю на підлокітнику крісла. Художники епохи Відродження зображували у картинах непросто жінку, а мадонну. Великі живописці створювали собі своя візія жінки, який був маємо образ святой.

IV. ПРИЛОЖЕНИЕ

Леонардо так Вінчі «Дама з горностаєм» (1484 г.)

Рис. 1

Леонардо так Вінчі «Мадонна Литта» (1478−1784гг).

Рис. 2

Леонардо так Вінчі «Джоконда»

Рис. 3

Рафаель «Флорентійські мадонны»

Рис. 4

Рафаэль «Мадонна Конестабиле».

Рис. 5

Лукас Кранах Старший «Мадонна з немовлям під яблоней»

Рис. 6

Антонис ван Дейк «Мадонна з куропатками».

Рис. 7

Робер Кампен «Мадонна з немовлям у камина»

Рис. 8

Рогир ван дер Вейден «Св. Лука, який малює Мадонну»

Рис. 9

Алексей Кузьмич «Юна Даная» (1986 г.)

Рис. 10

Алексей Кузьмич «Мадонна з немовлям» (1995 г.)

Рис. 11

V. Список иллюстраций.

Леонардо так Вінчі «Дама з горностаєм» (1484 г.)

Леонардо так Вінчі «Мадонна Литта» (1478−1784гг).

3. Леонардо так Вінчі «Джоконда»

4. Рафаэль «Флорентійські мадонны»

5. Рафаэль «Мадонна Конестабиле».

6. Лукас Кранах Старший «Мадонна з немовлям під яблоней»

7. Антониса ван Дейк «Мадонна з куропатками».

8. Робер Кампен «Мадонна з немовлям у камина»

9. Рогир ван дер Вейден «Св. Лука, який малює Мадонну»

10. Алексей Кузьмич «Юна Даная» (1986 г.)

11. Алексей Кузьмич «Мадонна з немовлям» (1995 г.)

12. Михайло Савицький «Партизанська Мадонна»

13. Михайло Савицький «Партизанська Мадонна» «Минская»

14. Рафаель «Сикстинська Мадонна»

VI. Список використаної литературы.

1. Любимов Л. Л. «Небо дуже високо" — М: «Просвітництво», 1989 р. 2. Муранов В. П. «Образи Італії" — Москва: «Республіка», 1994 р. 3. Персианова О. М. «Ермітаж. Путівник залам музею" — Ленінград: «Аврора», 1985 р. 4. Шапиро Ю. Г. «Ермітаж. По виставок і залах" — Л: «Мистецтво», 1983 р. 5. Енциклопедія мистецтва. тому 7. //ред. М. Д. Аксьонова, Москва: «Авента+», 1997 р. 6. Бєлова О.Ю. «Історія мистецтв»: М., Видавництво «Акваріум», 1997 р. 7. Долгополов І.В. «Розповіді про художників»: 1,2 томи.- М., Образотворчої мистецтво, 1982 р. 8. М. Савицкий, Мінськ, 1982 р. 9. Б. А. Лазука «Гiсторыя Мастацтва» — Мiнск, 1996 г.

-----------------------

ПоказатьСвернуть
Заполнить форму текущей работой